19h30 Durée
1h30

Heures

Le : Jeudi 28 mai 2026 de 19h30 à 21h00

je vous propose un temps, un temps haut, un temps haut Brion.

La musique était une partie importante de sa pratique.

Non seulement par poésie sonore, mais aussi par son écoute active.

Pas un jour sans un moment sans entrer dans la musique, et pas une nuit sans danses.

pour voyager dans l’espace on a besoin du temps et qu’est-ce que la musique sinon un usage du temps.

,je vous invite par le son, à découvrir l’univers sonore de Brion Gysin.

Ayant eu la chance de travailler avec lui de 1975 a 1986, j’ai eu l’occasion de faire milles explorations.

Il y aura des chansons, et aussi des histoires.

il y aura des documents d’archives et aussi un petit film.

on a sans doute aussi besoin de la machine a rêver pour faire de la vie un rêve.

 

par Ramuntcho Matta, avec Frederic Dutertre et Simon Sang-Hanssen

15h00 Durée
2h00

Heures

Le : Samedi 10 janvier 2026 de 15h00 à 17h00

À l’occasion de son exposition I dreamt of you in colours*, Otobong Nkanga active, lors d’une performance, From Where I stand, 2015 (collection Musée d’art moderne de Paris).

Au centre d’un large tapis dont le motif reprend la structure cristalline du mica, l’artiste transforme l’espace en un territoire à écouter, à parcourir et à habiter. Par une série de gestes mesurés, de déplacements attentifs et d’interactions avec des fragments de minéraux disposés autour d’elle, Otobong Nkanga nous invite à envisager le paysage comme un organisme sensible, traversé de mémoires et de fractures.

En interagissant avec les visiteurs, l’artiste encourage à reconsidérer sa propre place dans les dynamiques d’extraction et de transformation du monde et propose un espace pour repenser nos liens à la terre et imaginer d’autres manières de cohabiter avec les ressources qui la composent.

 

From Where I stand, performance d’Otobong Nkanga, 2026
Courtesy de l'artiste

Information pratique : La performance est gratuite, sous réserve de l'achat d'un billet d'exposition Otobong Nkanga, I dreamt of you in colours*, dans la limite des places disponibles.

* J’ai rêvé de toi en couleurs

16h00 Durée
0h45

Heures

Le : Samedi 11 octobre 2025 de 16h00 à 16h45

À l’occasion de son exposition I dreamt of you in colours*, Otobong Nkanga active Solid Maneuvers, une performance qu’elle incarne au travers de gestes mécaniques, répétitifs et bruyants empruntés au registre du travail industriel et de l’extraction.

Manipulant des matériaux bruts, tout en laissant surgir cris, souffles et récits fragmentés, l’artiste met en scène la manière dont les êtres humains, par leurs mouvements, façonnent la nature et marquent les paysages. Entre chorégraphique et rituel, Solid Maneuvers traduit la tension entre effort physique, mémoire collective et violence des gestes productifs.

Au milieu d’éléments sculpturaux, Otobong Nkanga met en évidence combien les machines utilisées pour exploiter ces paysages s’inspirent des gestes physiques du corps humain, soulignant ainsi l’épuisement conjoint du corps et de la terre.

 

Solid Maneuvers, performance d’Otobong Nkanga, 2025
Courtesy de l'artiste

Information pratique : La performance est ouverte à toute personne se trouvant dans l'espace d'exposition Otobong Nkanga, I dreamt of you in colours*.

* J’ai rêvé de toi en couleurs

19h30 Durée
1h00

Heures

Du : Vendredi 3 octobre 2025

au : Dimanche 5 octobre 2025

Le : Dimanche 5 octobre 2025 de 19h30 à 20h30

Tout n’est pas visible, tout n’est pas audible

par Tânia Carvalho

Chorégraphe majeure de la scène contemporaine internationale, marquant les plus grands plateaux par son écriture dentelée et puissante, Tânia Carvalho s’empare d’un hommage à Pierre Boulez pour inventer une déambulation spectaculaire à triple entrée : dansée, musicale et muséale. Coopération inédite entre la Biennale de Lyon et le Festival d’Automne à Paris, ce projet tisse un dialogue vibrant entre les arts et les villes.

Seule une artiste aux talents multiples pouvait relever le défi d’investir le Musée des Beaux-Arts de Lyon et le Musée d’Art Moderne de Paris avec plus de trente interprètes en musique et en danse des deux Conservatoires nationaux, s’appuyant sur un canevas inédit de partitions entièrement articulé autour de l’œuvre emblématique de Pierre Boulez.

Chorégraphe, danseuse, pianiste, compositrice, chanteuse, actrice et plasticienne, Tânia Carvalho puise dans la diversité rythmique, timbrée et expressive de pièces de Boulez les ressources d’un écosystème fascinant pour le développement du mouvement, dévoilant une physicalité propre à sa musique. Dans la charpente quasi-architecturale de son langage musical, le geste se glisse par résonances, frictions ou contrepoints, avec toute la spontanéité de la génération qui le porte, jusqu’à un magnétique point de jonction entre avenir et héritage. Un plaisir esthétique décuplé dans les entrelacs de danse, de musique et de Beaux-Arts.

 

Le Vendredi 3, Samedi 4 et Dimanche 5 Octobre à 19h30.

 

Chorégraphe : Tânia Carvalho 

Costumes : Tânia Carvalho, réalisés par l'atelier costumes de la Direction des études chorégraphiques, sous la direction de Cathy Garnier

Avec les danseuses et danseurs du Jeune Ballet du CNSMD de Lyon et de l’Ensemble chorégraphique du CNSMD de Paris : Antonin Alzieu, Lucie Blank, Noan Colin, Brune de Guardia de Ponte, Jeanne Fohr, Thimoté Guyot, Sofiya-Nikol Katerynchuk, Maël Maréchal, Juliette Peyronnaud, Malia Pouponnot, Haritina Razanajatovo

Maîtresses de ballet : Aurélie Gaillard, Céline Talon

Musiciens du CNSMDP : Chisato Taniguchi piano, Youngseo Kim violon, (en cours) clarinette

Solistes : Ensemble NEXT du cursus Artist Diploma – Interprétation Création

Avec la participation des étudiantes et étudiants du département des disciplines instrumentales classiques et contemporaines du Conservatoire de Paris

Équipe de production du CNSMDP : Bénédicte Affholder-Tchamitchian, Éric Benoist, Clémence Serin

Direction du CNSMDP : Émilie Delorme

Équipe de production du CNSMDL : Virginie Brunet, Oceane Demeure

Direction du CNSMDL : Mathieu Ferey

Responsable du 2ᵉ cycle Interprète en danse du CNSMDP : Marion Ballester

Direction des études chorégraphiques du CNSMDP : Muriel Maffre

Professeure référente (répertoire contemporain, interprétation et création) du CNSMDP : Hae Sun Kang

Production : Biennale de Lyon ; Festival d’Automne à Paris

En partenariat avec les Conservatoires nationaux supérieurs musique et danse de Lyon et Paris et le Musée des Beaux-Arts de Lyon.
Dans le cadre du centenaire Pierre Boulez, commissariat Laurent Bayle.
Commande de la Biennale de Lyon et du Festival d’Automne à Paris, producteurs de ce spectacle.

Avec le soutien de la Fondation Calouste Gulbenkian - Délégation en France et de Trail Capital

 

 

15h00 Durée
1h00

Heures

Le : Mercredi 2 juillet 2025 de 15h00 à 16h00

Après les musées Delacroix et de l’Orangerie, la compagnie de danse Kachashi investit la salle Matisse du Musée d’Art Moderne de Paris.
 

Le projet Farandole désinvolte invite, d’Avril à Juillet 2025, des personnes atteintes de la maladie de Huntington, une maladie neurodégénérative qui affecte notamment les mouvements, à participer à des ateliers d’arts plastiques et de danse au sein du musée.
 

L’objectif est d’offrir grâce à la danse et la créativité un espace d’apaisement permettant de développer une meilleure conscience corporelle.
 

Après plusieurs semaines de travail en atelier, les participants présenteront au public une performance dansée en musique devant La Danse d’Henri Matisse.
 

Déroulé : 6 moments dansés Volutes, Virage, Volta, Virevolte, Volte-face, Voltige
Direction du projet : Gaëtan Le Marchand
Équipe artistique et coordinatrice : Philippe Chéhère, Gaëtan Le Marchand

La compagnie Kachashi est soutenue par l'Association Huntington France, la Ville de Paris, l'ICM Salpêtrière et l'Hôpital Mondor Créteil.

 

 

14h30 Durée
2h00

Heures

Le : Dimanche 10 novembre 2024 de 14h30 à 16h30

D’après «Ils n’ont rien vu »
performance à partir de la pièce éponyme de Thomas Lebrun
 

À l'occasion de l'exposition L'Âge atomique, Les artistes à l'épreuve de l'histoire, le CCN de Tours / Thomas Lebrun propose une réactivation des matières de la pièce "Ils n'ont rien vu" (création de 2019). Il s'agit d'un voyage, à la fois au Japon et dans le temps... Évoquant en partie le film et le livre « Hiroshima mon amour », et l’histoire tragique hélas si connue de la bombe atomique à Hiroshima, cette pièce place la mémoire et le souvenir au cœur de l'œuvre à travers un rythme d'effacement et de transformation. La plasticienne Rieko Koga, créatrice du Boro géant qui définit l’espace de cette performance, accompagne les six interprètes de sa minutieuse broderie pour l’occasion.

 

Thomas Lebrun

Danseur et chorégraphe, Thomas Lebrun est directeur du Centre chorégraphique national de Tours depuis janvier 2012.
Il fonde la compagnie Illico à seulement 25 ans et se fait rapidement connaître pour ses pièces excentriques et burlesques. Depuis sa nomination à la direction du CCN de Tours, il a écrit 17 pièces chorégraphiques, avec plus de 1 100 représentations en France (Théâtre national de Chaillot, Biennale de la danse de Lyon, Festival d’Avignon…) et à l’international (Japon, Brésil, Chine, etc.). En mars 2017, il reçoit le titre de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres.

 

D’après Ils n’ont rien vu
performance à partir de la pièce éponyme de Thomas Lebrun

Chorégraphie : Thomas Lebrun

Interprétation : Raphaël Cottin, Anne-Emmanuelle Deroo, Akiko Kajihara, Léa Scher, Yohann Têté

Musiques : Japanese Traditional Percussion Taiko, Giovanni Fusco, Georges Delerue, Paul Mark, his Orchestra and Voices, Gen-ichiro Murakami, Toshiya Sukegawa, Group from Miyazaki Prefecture, Ensemble Nipponia, Group from Nikko, André Mehmari, François Morin, Joji Hirota taiko drummers

Texte : Marguerite Duras

Témoignages : Takako Kotani, Makato Nagahara, Suzuko Numata, Shigeko Orimen, Shigeo Sasaki

Création boro et performance live : Rieko Koga

Création lumière : Françoise Michel

Régie générale et son : Maxime Fabre

Création costumes : Jeanne Guellaff

Confection costumes : Jeanne Guellaff, Kite Vollard

Montage son : Yohann Têté

Production : Centre chorégraphique national de Tours

Coproduction de la pièce originelle : Chaillot - Théâtre national de la Danse, Les Quinconces-L’espal, Scène nationale du Mans

Avec le soutien de la SPEDIDAM, du Centre dramatique national de Tours (résidence de création), du Carreau du Temple - Paris 3e et du Saitama Arts Theater (Japon)

Remerciements : Groupe de kagura Kaminakachoshi, Musée du Mémorial de la Paix d'Hiroshima, Mémorial National pour la Paix dédié aux victimes de la bombe atomique, EFI Paris, Ville de Gentilly

Le Centre chorégraphique national de Tours est subventionné par le ministère de la Culture - DGCA - DRAC Centre-Val de Loire, la Ville de Tours, le Conseil régional Centre-Val de Loire, le Conseil départemental d’Indre-et-Loire et Tours Métropole Val de Loire.

14h30 Durée
2h10

Heures

Le : Samedi 1 juin 2024 de 14h30 à 16h40

Un autre temps

Performance dansée et chantée entre les mains des adolescents du Centre Etienne Marcel

À 14h30, à 15h30 et à 16h30

Durée : 10 minutes

Renvoyés sur la planète après une catastrophe écologique, des jeunes ont la mission de s’assurer que cette terre est à nouveau viable. Inspirés des œuvres du Musée d’Art Moderne de Paris, elle et ils dressent les contours d’un avenir sensible et incertain. Un travail sur la couleur a été approfondi, à partir des tableaux de Robert Delaunay Rythme n° 1 et Rythme n°2. Cette réflexion est transcrite dans une création de costumes misant sur l'agencement des couleurs violette et bleue. Le rythme généré induit des mouvements et invite à une harmonie dynamique.
Après une année de travail chorégraphique et vocal, les participant.es proposeront une œuvre singulière, accompagnés pour la danse par Paulina Ruiz Carballido et Mithkal Alzghair, et pour le chant par Anne-Laure Poulain. Un projet créé et dirigé par Virginie Combet.

 

Direction du projet : Virginie Combet
Artistes invités dans le projet : Paulina Ruiz Carballido, Mithkal Alzghair, Anne-Laure Poulain, Axelle Poisson, Les Castellers de Paris
Encadrement : Laetitia Würtz, Florine Bertin, Clara Pouplin, Bleuenn Bergeron.
Remerciements : Paul-Henri Texier, Lionel Berg.

Projet soutenu par le Ministère de la Culture, la Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France. 
Avec le soutien du Fonds musical JM France

 

14h30 Durée
3h00

Heures

Le : Samedi 15 juin 2024 de 14h30 à 17h30

À l'occasion du week-end de la Colline des Arts et des Olympiades Culturelles, le Musée d'Art moderne de Paris accueille la compagnie François Stemmer pour une création performative en lien avec la carte blanche BEWARE* de l’artiste Ari Marcopoulos, photographe et cinéaste emblématique de l’underground new-yorkais et figure du monde du skateboard. Cet événement se déroulera en deux temps et en deux lieux distincts : Les Apprentis sorciers sur le parvis du musée et 1 Ado 1 Œuvre au cœur des collections permanentes du musée.

 

Dans un premier temps, Les Apprentis Sorciers, en extérieur c'est une bande de sept individus, en horde solidaire qui évoluera sur le parvis du Musée d'Art moderne de Paris pour une chorégraphie skatée. En groupe ils et elles enchaîneront les tricks, dessineront des trajectoires, les un.e.s derrière les  autres, les un.e.s à côté des autres, sur une même ligne, en quinconce, en cercles serrés ou élargis, traversant “le plateau” de cour à jardin et du fond de scène à l'avant-scène, jouant sur la vitesse et la lenteur en s'accompagnant de la musique mais aussi du tempo, du rythme et des sons que les planches produisent naturellement. L'écriture chorégraphique sera inédite avec un dialogue continu avec l’architecture du musée, et en résonance avec les bas-reliefs de Janniot et de Bourdelle.

Dans un second temps, 1 Ado / 1 Œuvre, à l'intérieur du musée, des jeunes âgé.e.s de 16 à 21 ans s'emparent d'œuvres des collections du MAM Paris pour proposer aux visiteurs un parcours performatif mettant en résonance les œuvres d’un musée et les pratiques artistiques de jeunes artistes en devenir.  C’est un spectacle en mouvement où le public découvre, salle après salle, œuvre après œuvre, une nouvelle performance. Qu’il rencontre un chant, une danse, des mots, des sons, les œuvres  s’animent, des histoires apparaissent et mettent en lumière la relation entre une œuvre finie,  exposée et l’adolescent.e qui l’interprète, la réinvente.

Informations pratiques :

Les Apprentis Sorciers à 14h30 et à 17h
Parvis bas du musée
Durée : 30 min

1 Ado / 1 Œuvre de 15h à 16h30
Collections permanentes du musée

19h00 Durée
1h00

Heures

Le : Jeudi 22 juin 2023 de 19h00 à 20h00

Joïkformance par Ánde Somby

À l’occasion de l’exposition Anna-Eva Bergman, Voyage vers l’intérieur, le Musée d’Art moderne de Paris avec le soutien de l’Ambassade royale de Norvège vous invite à découvrir l’artiste Sami Ánde Somby dont l’art s’harmonise parfaitement avec l’essence de l’œuvre d’Anna-Eva Bergman.

Homme aux multiples facettes, Ánde Somby n'est pas seulement un yoïker acclamé issu du peuple Sami, mais aussi un érudit renommé et un activiste passionné. Ses yoïks, compositions vocales puissantes et évocatrices intrinsèques à la culture sami, incarnent l'essence de la nature, des animaux et des expériences personnelles. Grâce à sa connaissance approfondie du droit et des droits des populations autochtones, il se fait le champion de la préservation et de la reconnaissance du riche patrimoine sami.

Lors de cette nocturne, nous vous invitons à vivre un hommage unique à Anna-Eva Bergman par Ánde Somby qui interprétera une composition exclusive de yoïk, invoquant les esprits du loup et du moustique. Cette performance est profondément ancrée dans la tradition chamanique du Geaidut, une pratique qui transcende le simple divertissement et s'efforce de favoriser une connexion viscérale entre le public et les animaux invoqués. En vous immergeant dans les mélodies d'une beauté envoûtante, vous vous retrouverez peut-être à découvrir le monde à travers les yeux d'un loup ou à ressentir les battements d'ailes d'un moustique. Cette perspective extraordinaire est précisément ce qui rend les yoïks d’Ánde Somby si fascinants, offrant un parallèle harmonieux avec l'expression artistique de Bergman de son lien avec la nature.

La synergie entre l'œuvre d'art évocatrice de Bergman et le yoïk spirituel de Somby est une exploration des liens profonds que nous, en tant qu'êtres humains, partageons avec la nature. C'est un témoignage de l'héritage durable du peuple Sami et de sa culture, et un hommage à l'art intemporel de Bergman. Rejoignez-nous dans ce voyage unique et laissez-vous transporter dans un monde où l'art et la nature convergent de la manière la plus extraordinaire qui soit.

Performance réalisée avec le soutien de l'Ambassade royale de Norvège

 

18h30 Durée
2h00

Heures

Le : Jeudi 15 juin 2023 de 18h30 à 20h30

Le pianiste Romain Louveau s’empare du dernier volume de Perspective : actualité en histoire de l'art, Obscurités (nᵒ 2023 – 1), dans lequel historiens de l’art, artistes et archéologues interrogent les développements de la discipline à l’aune du lien entre savoir, positivité et lucidité, d’une part, et non-savoir, négativité et obscurité, de l’autre. Au gré des évocations et des détournements, la soirée de lancement mêlera musique et réflexions musicologiques au sommaire du numéro. Si la perception n’est pas réduite à la seule visualité, à quoi l’obscurité ouvre-t-elle la voie ?

 

Intervenantes et intervenants

Marine Kisiel (rédaction en chef, Perspective), Matthieu Léglise (rédaction en chef, Perspective), Romain Louveau (pianiste), Michèle Pierre (violoncelliste)

 

Obscurités (nᵒ 2023 – 1, revue Perspective)

Discipline fondée sur l’étude du visible, l’histoire de l’art s’intéresse nécessairement à ce qui est mis en lumière et peut être vu. Cependant, l’opposition entre la lumière et l’ombre, dans son évidence physique comme dans sa portée symbolique, structure très largement la pensée humaine. Nombre de mythes primordiaux associent l’apparition de la lumière et le bannissement des ténèbres à l’évolution de la vie et des sociétés. De même, les développements ultérieurs de la philosophie et des sciences humaines – on pense notamment au siècle des Lumières – ont fait de la partition entre le clair et l’obscur un cadre de pensée d’une importance majeure. Ainsi, en conscience ou malgré nous, sommes-nous les héritiers de cette division qui, des mythes originels aux positivismes contemporains, des récits bibliques à la constitution des sciences humaines en disciplines universitaires, polarise notre rapport au monde et à son étude. La luminosité finit par devenir une vertu : la clarté, la lucidité, l’éclat, portent une charge positive tandis que leurs contraires sont associés aux qualités négatives de l’obscurité, voire du mal.
Pour son numéro 2023 – 1, coordonné avec l’historienne de l’art indienne Kavita Singh, la revue Perspective souhaite interroger les développements de l’histoire de l’art à l’aune de l’association classique et largement impensée entre, d’une part, savoir, positivité, clarté, et, d’autre part, non-savoir, négativité, obscurité, tant cette association détermine encore l’ensemble de nos structures mentales, de nos imaginaires et de nos paradigmes scientifiques.

 

Revue Perspective : publiée par l'Institut national d'histoire de l'art (INHA) depuis 2006, la revue Perspective présente des textes historiographiques critiques sur les approches, les orientations et les enjeux qui font l’actualité et la vitalité de la recherche en histoire de l’art.
Tous les six mois, les numéros de Perspective sont consacrés, alternativement, à l'histoire de l'art dans un pays, voire un territoire, ou à une thématique transversale.
Ses rubriques – Tribune, Débats, Entretiens, Essais, Varia – permettent de publier des interviews de personnalités du monde de l'art et de la culture, d'artistes ou d'historiens de l'art, des prises de position polémiques, des discussions internationales sur des sujets d'actualité et des essais inédits à vocation historiographique et de bibliographie critique sur des thèmes nouveaux ou renouvelés ayant suscité un intérêt remarquable au sein de la discipline.